Spotlight: Sara Amrhein

How would you describe your relationship with Florence? After 15 years, Florence is home, but like any relationship, we’ve gone through many phases. For the first few years it was the honey moon phase, everything was great and wonderful and Florence could do no wrong. After the first four years, I decided to return to California and go back to school. I was interested in studying contemporary art and there wasn’t any place to do that here. But after receiving my BFA in contemporary art and theory, I realized how much I missed being here and decided to move back. I’ve always had a bit of a tumultuous relationship with the city because there are so many things I love it about, like the incredible art, history, and food, but there is that one thing that it has never been able to give me and that’s contemporary art and design. But just like any relationship we decide what we are able to live with and what we’re not. For all of the things the city does give me, I am able to accept what it can’t (sort of) and that’s really how CPiF started. I love Florence so much that I want it to be better, and for me, making it better means focusing on the  future and new art. Just because we appreciate the new doesn’t mean we have to forget the past, it’s possible to have both and make the city richer culturally and financially. There is an incredible resource of talented emerging artists and designers in the city that are overlooked and shadowed by the past that Florence is missing out on something that could truly make it one of the most important cities in the world, even more than it already is.

Which aspect of your work gives you the most satisfaction?

For me it’s when a person falls in love with one of my pieces, puts it on and feels fantastic wearing it. Many of my pieces are one of a kind so it’s really about finding the right person who finds a connection with it, like it was made specifically for them.

How important is collaboration with other artists and creative people?  What do you look for in a potential creative collaborator?

For me its essential. I thrive on collaboration. I am constantly learning and being around other creative people is always inspiring to me. I am fascinated by the way other people think and how they interact with my work. It helps me to see things in a way I never would on my own. As far as what I look for in a collaborator, it really depends on the project but I would say that the quality of their work is probably the first thing I look at. If we have the same ideas of quality then I am usually pretty comfortable. Communication is also a huge element for me in collaboration. It’s important to talk to each other the entire time and work with people who understand that when you say, “No. I don’t like that,” or “Let’s move that over there” that it’s not personal but that it’s for the good of the group and are willing to try different things to see what works best.

What can we expect from you for Florence Design Week?

For Florence Design Week, I am currently working on a new collection and an installation in my studio space. I am trying new things, things that have been on my ideas list for a long time and Florence Design Week seems like the prefect occasion to make them happen. I will also be creating an installation at La Corte Arte Contemporanea, this will be the first non-wearbale piece that I have done in a long time, it makes me a bit nervous and bit excited at the same time.

How do you begin a collection ? Can you tell us about how a piece or collection takes shape? Do you plan a jewelry piece aesthetically before you start, or does it evolve conceptually into a piece as you go? 

I don’t really work in collections, although, I am thinking that I maybe I might change that and see what happens. I mostly just create what ever comes to mind. Sometimes having lots of ideas at once is a good thing, other times, I think maybe being more focused could be better. I usually start by sketching. I try to think about how a piece will not only look but also how it will feel on the body. I come up with some initial ideas of the pieces I want to create and then sit at my bench and begin sculpting the main elements in clay. I usually see things as I am sculpting that I never imagined while creating the sketch, so I let those things happen and try to elaborate on them. Most of the time the finished piece looks very little like the sketch. I had a teacher once tell me that “the ideas you have in the beginning should be very different than the ideas you have at the end” and I think this is very true. It’s important to see while we are in the process of creating and be willing to change direction if necessary.

There is a distinction made between design and art. How did jewelry design become your art? Where do you see the distinction? 

That’s a good question.  Do I think there is a distinction between art and design? Hmmmm….They are different but yet they are also the same. Design to me means that a piece of art has a tangible, usable purpose. It goes beyond something that is meant to be viewed. Of course good design is both. It’s interesting visually and has a function. Art has a function too, it’s just a different one. It’s a form of communication or a language, it always has been. Renaissance paintings were never meant to just be looked at, they tell stories, they were meant to be read, like a book. For me, art needs to be more than something to look at. I like art that makes me think or addresses specific issues, arguments, or points of view. It’s function is to question and provoke. Either way, they both improve our lives greatly. My jewelry became my art in a very round about way. It was never my intention to create jewelry but I started to see that art and design have many parallels and many differences at the same time. I was a painter and my work consisted of a lot of collage pieces with decorative elements. There were jewelry making materials in the paintings like beads, and jewels so I started to think about what would happen if I reversed the roles so to speak, so I started creating jewelry that was more like a painting or a sculpture. I went to a school called Art Center College of Design. The very name implies that these two things go hand in hand, that was the training I received and I love that these two things are able to come together. We had course tracks known as the TD or trans-disciplinary courses, fine artists would be in the same classroom as the transportation designers for example, it was a fantastic way to think outside of our respective majors and really opened us up to diverse ways of thinking.  I don’t always see a conscience distinction between the two things, I think there are too many overlaps. They both involve an incredible amount of thought and both serve an important purpose. As you can see, I don’t think it’s a yes or no, black and white answer. I do know that I love it all, art and design are my life.

How have you seen your work evolve and change over time? Where and how do you find inspiration?

I’ve actually seen it come full circle in many ways. When I was in high school I used to make beaded jewelry and would sell it to my co-workers in the clothing store where I worked part time. After going to college and studying art history and then contemporary art and theory, I forgot about jewelry making all together. I tried and experimented with many different ideas and mediums before coming back to jewelry unexpectedly a little over 8 years ago, of course I have brought with me all of the things I’ve learned and the jewelry is completely different than it was when I was 18. Sometimes I think we spend too much time thinking that we need to be something different than what we are. Sometimes the answer is right there in front of us. Of course my jewelry would not be what it is without all of those other experiences in between, so for that I am infinitely grateful. Inspiration is everywhere, and it is forever changing, it can be the smallest detail or the full picture. It can be a color, a moment, a word, a song, or a person.

Are there any other plans or projects coming up that you want to share with the group?

At the moment, nothing specific, but I am always on the look out and always thinking about what to do next. CPiF is a big part of my daily life and we do have lots of thing happening for the group. For the time being we are planning a big event for September but we’re staying zitto zitto (hush hush) for now.

Come descriveresti il tuo rapporto con Firenze? Dopo 15 anni, Firenze è casa, ma come ogni relazione, io e questa citta’ abbiamo passato molte fasi. Per i primi anni siamo stati in luna di miele, tutto era perfetto e Firenze non poteva fare nulla di male. Dopo quattro anni ho deciso di tornare a Los Angeles, dove sono nata, perché volevo studiare arte contemporanea, ma qua non c’era una scuola. Dopo aver completato la mia laurea, pero’, in Teoria dell’Arte Contemporanea,  mi mancava Firenze e allora ho deciso di tornare. Ho avuto sempre una relazione tumultuosa con la città. Ci sono tante cose che amo qui, l’arte, la storia, il cibo incredibile, pero’ c’è sempre stata una cosa che non ho potuto vivere appieno, l’arte contemporanea. Ma come tutte le relazioni, decidiamo per cosa vogliamo vivere senza. Per tutto quello che mi da’, posso accettare quello che mi fa mancare. Era precisamente per questo motivo che ho cominciato CPiF.  Amo così tanto Firenze, che voglio fare il meglio, e per me il meglio significa guardare al futuro e ad una nuova arte. Secondo me, possiamo apprezzare sia il nuovo che onorare il passato, amare il primo non significa per forza dimenticare l’altro. Secondo me possiamo arricchire la città culturalmente e finanziariamente. C’è un’incredibile risorsa di artisti di talento emergenti e designers qui che sono trascurati, nell’ombra del passato. Per questo penso che Firenze rinunci a qualcosa che la potrebbe veramente rendere una delle città più importanti del mondo, ancor più di quanto  non lo sia già.

Qual’è l’aspetto del tuo lavoro che ti dà più soddisfazione? Per me è quando una persona si innamora di uno dei miei pezzi e lo indossa, sentendosi fantastica. Molti dei miei pezzi sono unici, quindi è davvero questione di trovare la persona giusta, quella connessione che fa si’ che il pezzo sia creato appositamente .

Per te quant’è importante la collaborazione con altri creativi o artisti?  Cosa cerchi in un potenziale collaboratore creativo?

Per me è essenziale. Io prospero con la collaborazione. Sto costantemente imparando e stare con altre persone creative è sempre fonte di ispirazione. Sono affascinata dal modo in cui gli altri pensano e interagiscono con il mio lavoro . Mi aiuta a vedere le cose in un modo che da sola non vedrei . Per quanto riguarda quello che cerco in un collaboratore, dipende dal progetto, ma direi che la qualità del lavoro altrui  è probabilmente la prima cosa che guardo. Se abbiamo le stesse idee di qualità, allora di solito mi sento a mio agio. E’ molto importante per me poter comunicare con loro per tutto il tempo e sapere che capiscono quando si dice, “No, non mi piace !”  o  “Spostiamolo più in là!” perché non è personale, ma per il bene del gruppo. E’ bello vedere delle persone disposte a provare cose diverse per vedere cosa funziona meglio .

Cosa ci dobbiamo aspettare da te per la settimana di Florence Design Week?

Per Florence Design Week, attualmente sto lavorando su una nuova collezione e un’installazione nel mio spazio studio. Sto provando cose nuove, cose che sono state sulla mia lista di idee per lungo tempo e Florence Design Week sembra l’occasione prefetta per svilupparle. Sto preparando anche un’installazione a La Corte Arte Contemporanea, questo sarà il prima pezzo di arte non indossabile  che faccio dopo tanto tempo. Sono un po’ nervosa e un po’ emozionata allo stesso tempo.

Come inizi un progetto? Raccontaci un po’ della nascita di una collezione. Hai un’idea chiara della forma del gioiello prima di cominciare, o sviluppi il concetto lavorandoci?

Non mi occupo di collezioni, anche se, penso che forse avrei potuto cambiare la situazione e vedere cosa succede. Sono per lo più sola a creare quello che mi viene in mente. A volte avere un sacco di idee in una volta è una buona cosa, altre volte, penso che forse essere più mirata potrebbe essere meglio. Di solito inizio disegnando, cerco di pensare ad un pezzo non solo da guardare, ma anche a come si sentirà sul corpo. Io prendo alcune idee iniziali dei pezzi che voglio creare e poi siedo al mio banco e comincio a scolpire i principali elementi in argilla. Di solito poi nel vederli scolpiti, differenti da come li avevo immaginati, durante la creazione del disegno, inizio ad elaborare su di loro. La maggior parte del tempo, il pezzo finito, sembra molto diverso dallo schizzo. Ho avuto un’insegnante che mi diceva  che “le idee che si hanno in principio, dovrebbero essere molto diverse da quelle che avrete alla fine” e credo che questa sia la verità. E’ importante vedere come siamo disposti a cambiare direzione, se necessario, mentre siamo nel processo di creazione.

Spesso si fa distinzione fra design e arte.  Come è diventata la gioielleria la tua arte? Dove vedi la differenza fra arte e design?

Questa è una buona domanda. Credo che ci sia una distinzione tra arte e design? Mmmmh …. Sono diverse, ma anche no. Design per me significa che un pezzo d’arte ha un tangibile, scopo utilizzabile. Va al di là di qualcosa che è destinato a essere visualizzato. Naturalmente il buon design è al tempo stesso interessante e visivamente con una funzione. Anche l’arte ha una funzione, ma è differente. E’ una forma di comunicazione o linguaggio, lo è sempre stata, dipinti rinascimentali non sono mai state destinati ad essere solo guardati, raccontano storie, concepite per essere lette, come un libro. Per me, l’arte ha bisogno di essere più di qualcosa da guardare. Mi piace l’arte che mi fa pensare o affronta specifiche questioni, argomenti o punti di vista. La sua funzione è quella di mettere in discussione e provocare. In entrambi i casi, per migliorare la nostra vita, notevolmente. I miei gioielli sono diventati la mia arte in senso piu’ generale. Non è mai stata mia intenzione di creare gioielli, ma ho iniziato a vedere che l’arte e il design hanno molto in comune e molte differenze al tempo stesso. Ero una pittrice e il mio lavoro consisteva nel gestire tanti pezzi di collage ed elementi decorativi. Avevo a disposizione materiali per la fabbricazione di gioielli in dipinti, come perle e gioielli, così ho iniziato a pensare cosa sarebbe successo se avessi invertito i ruoli. Ho iniziato a creare gioielli che erano più simili a un dipinto o ad una scultura. Sono andata a una scuola che si chiama Art Center College of Design e qui mi hanno insegnato che queste due cose vanno di pari passo, e questo mi piace molto. Avevamo percorsi formativi noti come i corsi di TD o trans-disciplinari, artisti visivi cioè nella stessa classe come i progettisti di trasporto. E’ stato un modo fantastico di pensare al di fuori delle nostre rispettive major e davvero ci ha aperto a diversi modi di pensare. Non riesco a distingure coscientemente le due cose, penso che ci sono troppe sovrapposizioni fra loro. Entrambe coinvolgono una quantità incredibile di pensieri ed entrambe seguono uno scopo importante. Come potete vedere, non credo che  sia un sì o un no, bianco o nero. So che mi piace tutto, l’arte e il design sono la mia vita.

Come hai visto il tuo lavoro cambiare nel tempo?  Dove e come trovi l’ispirazione?

In qualche modo mi rendo conto di essere tornata alle  mie origini artistiche. Quando ero al liceo usavo fare gioielli di perline che vendevo a tutti i miei colleghi di lavoro, nel negozio di abbigliamento dove lavoravo a tempo determinato. Dopo essere andata all’università a studiare Storia dell’Arte e poi Teoria dell’Arte Contemporanea però, ho tralasciato la produzione di gioielli.  Ho provato e sperimentato molte idee e mezzi diversi, prima di tornare ai miei gioielli inaspettatamente oltre 8 anni fa.  Naturalmente ho portato con me tutte le cose che ho imparato e i lavori di oggi sono completamente diversi da quelli di quando avevo 18 anni. A volte penso che passiamo troppo tempo a pensare che abbiamo bisogno di essere qualcosa di diverso da quello che siamo. A volte la risposta è proprio lì di fronte a noi. Naturalmente i miei gioielli non sarebbero quello che sono senza tutte quelle esperienze, quindi per questo sono infinitamente grata. L’ispirazione è ovunque, ed è sempre in mutazione, può essere il più piccolo dettaglio o il quadro completo. Essa può essere un colore, un momento, una parola, una canzone, o per finire una persona.

Ci sono altri progetti o programmi per il futuro che vuoi condividere con il gruppo?

Al momento, niente di specifico, ma sono sempre in cerca di qualcosa e penso sempre a cosa fare dopo. Per quanto riguarda CPIF è gran parte della mia vita quotidiana, e senza accennare ulteriormente, stiamo preparando diversi progetti e un grande evento per Settembre.

Per sapere di più: www.sara-amrhein.com