Spotlight: Marco Castelli


NOVEMBER 2-7, 2016

Notturno Fluviale [Arno 1966-2016]
a project by Marco Castelli
Opening reception November 4, 7pm
ONART Gallery – Via della Pergola 57/61r



Marco Castelli was born in 1991 and lives in Florence. He currently works with several local magazines and newborn editorial projects. His personal and documentary research reveals a deep interest in the human environment and life, and his works have been awarded, published and shown internationally.
Marco Castelli nasce nel 1991 e vive a Firenze. Attualmente lavora con magazine e nascenti realtà editoriali. Contemporaneamente, porta avanti la sua ricerca sia personale che documentaria, entrambe attraverso un profondo interesse per la vita ed i contesti umani. I suoi lavori sono stati premiati, pubblicati ed esposti a livello internazionale.

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We start every interview with the same question—How would you describe your relationship with Florence? Love and hate. It is a small and large city at the same time. Unlike many of my peers, I’ve always lived here. I think that limits are often a strong point of departure: circumscribing your ideas and your research can be a solid basis for a sustainable design. It is said that with photography it’s difficult to represent the places you’ve always known and lived in during your life. With Notturno Fluviale [Arno 1966-2016] I think I found a new eye with which look at my city and at Tuscany in general; judging by the positive comments by those who have seen the work so far, my impression is strengthened.


Your upcoming show Notturno Fluviale [Arno 1966-2016] commemorates the 50th anniversary of the flood in Florence, an event whose physical and psychological effects are in many ways still felt and even visible in the city today. How did you approach this project?
I started shooting the first photos 2-3 years ago, during my studies, while I was also rowing on the river. The first bridge I photographed was San Niccolò, which I would pass under by boat. In the beginning, I was purely interested in the landscape. The first shots referred only to the Florentine territory, but as time went on, I began to feel closer to the river and to the nocturnal dimension of the architecture of the bridges, like a silent creature that abstracted me from the city. For a while however, I put the project on hold.

As the anniversary of the flood approached, I felt a new push to take up the series of photographs again: I had to show the Arno today, the river today and how the hand of man has changed its landscape. I focused only on the bridges and their monolithic presence. I could have included dams and mills, but I made a clear choice aimed at analyzing the primary relationship between man and river, and the necessity of crossing its waters.

The link, then, with the 50th anniversary of the 1966 flood was the theme of the river: I tried to  give a new personal and active contribution to the initiatives that have been developed for the commemoration of the anniversary. In no way do I intend to lessen the importance of memory : during the inauguration of the exhibition, in fact, there will be a screening of videos and archive images kindly provided by Enrico Ciabatti.

For the photo nerds in the group, what kind of equipment did you use for this series? The photos are taken with a full-frame digital SLR and a zoom kept at a 24mm focal length. Since it is night photography and a low ISO is preferable for better image quality, I used a tripod to compensate for long exposures (the shutter remained open up to 30 seconds). Sometimes, in total darkness, I made use of small led panels or even the mobile phone torch, using the light-painting technique,   “painting” with light during the exposure which, unlike a flash, allows more brightness, fading, and precision. It is similar to what you would do in the darkroom, dodging and burning with the magnifier, but working, on the contrary, during the shot.


While your work is highly varied, an interest or reference to architecture, whether that of bridges as in Notturno Fluviale, abandoned waterparks (Jurassic Waterpark), or that of an imagined cosmos (A Micro Odyssey) seems to be a common thread. Has this always been a point of inspiration for you? It is geometry in general. I try to translate it into the perspective and image composition. A good photographic composition is the basis of a good image, sometimes more than the subject and certainly more than the post-production. In my adolescence, I studied at Guido Castelnuovo High School, so my training was quite scientific. This is especially noticeable in Notturno Fluviale and Jurassic Waterpark where the interest is both technical and natural. The same interest, with a hint of chemistry, is also found in A Micro Odyssey, with the trompe-l’oeil effect of bacterial planets.

Another scientific aspect of all my work resides in the search for the unseen and for the unknown: in each of the three projects mentioned above, it is the revelation of a dimension normally occluded to the human eye that dominates and intrigues the viewer. More generally, I think that showing this “hidden reality” is the ultimate task of photography.

We are always curious to know how artists approach a new project. Do you start from a single image and let a series develop and come into focus over time, or do you lay out a clear concept before starting? Normally, I first imagine the coherent development of the series and then I dedicate myself to its realization.

When it comes to serial projects, however, one shot can build the whole thing, so you must focus on the variety and number of subjects. In any case, I also think there is no better thing than to shoot without a preset idea: one of the best shots I think I’ve made does not belong to any project and was created while I was on a break during a job.


How important is collaboration with other creatives? What do you look for in a potential collaborator? It is fundamental as long as it is active and not passive. I collaborate with various cultural associations and editorial projects. In these contexts dialogue is always a positive thing, though I must say that I am not always involved in the way I am with my most personal projects, for which I’m pretty demanding. In the past, I have done individual collaborations with other photographers, but almost every time no results came out of it. I believe it depends both on my character and on what my collaborators may have lacked. More often, the best collaborations are born with those who become interested in your photography indirectly.

Any other future projects or plans you’d like to tell us about?
There are several, actually, even if they are more ideas than real projects: a series on Italian billiards; one on the sculpture and the icon of David by Michelangelo; a photography magazine; a photography prize; two movies; a photobook to be launched into space.
Not necessarily in this order. Perhaps, though, it is still early to talk about this.

To learn more about Marco:

Notturno Fluviale [Arno 1966-2016] will be on view at ONART Gallery from November 2-7, 2016. Opening reception on November 4 at 7pm.


Iniziamo ogni Spotlight con la stessa domanda—Come descriveresti il tuo rapporto con Firenze?Amore e odio. È una città piccola e grande allo stesso tempo. A differenza di molti miei coetanei, ho sempre vissuto qui. Credo che i limiti, spesso, siano anche un forte punto di partenza: circoscrivere le proprie idee e la propria ricerca può essere una solida base per una progettazione sostenibile.
Si dice che in fotografia sia difficile rappresentare i luoghi da sempre conosciuti e vissuti nella propria esistenza. Con Notturno Fluviale [Arno 1966-2016] credo di aver trovato un occhio nuovo col quale poter guardare la mia città e la Toscana in generale; a giudicare dalle positive osservazioni di chi finora ha visto il lavoro, la mia impressione si rafforza.

La tua prossima mostra Notturno Fluviale [Arno 1966-2016] commemora il 50esimo anniversario dell’alluvione di Firenze, un evento di cui gli effetti fisici e anche psicologici sono ancora sentiti e visibili oggi. Come ti sei avvicinato al tema con questo progetto?Iniziai a fare le prime foto della serie ormai 2-3 anni fa, durante i miei studi.

Ai tempi facevo canottaggio ed il primo che fotografai fu proprio il ponte di San Niccolò, sotto al quale passavo sempre con la barca.
In principio erano tentativi di puro interesse paesaggistico. I primi scatti erano riferiti solamente ai ponti del territorio fiorentino. Andando avanti con il lavoro, mi sentivo sempre più vicino alla dimensione fluviale e notturna delle architetture dei ponti, come ad una creatura silenziosa che mi astraeva dalla città. Per un po’ di tempo, ho lasciato il progetto a fermentare. Man mano che l’anniversario si avvicinava, ho sentito una spinta nuova che mi intimava a riprendere in mano la serie fotografica: dovevo mostrare l’Arno oggi, il fiume oggi e come la mano dell’uomo ne aveva modificato i paesaggi.
Mi sono concentrato unicamente sui ponti e sulla loro presenza monolitica. Avrei potuto includere dighe e mulini, ma è stata una scelta precisa, mirata ad analizzare il primario rapporto tra uomo e fiume in merito alla necessità di attraversarne le acque.
Il legame, dunque, coi 50 anni dell’alluvione del 1966 è stato il tema del fiume: in poche parole ho tentato, certamente in maniera personale, di dare un contributo nuovo e attivo alle iniziative che si sono sviluppate in occasione della ricorrenza.
Ciò non vuole assolutamente svilire la dimensione della memoria: durante l’inaugurazione della mostra, infatti, verranno proiettati video ed immagini d’archivio gentilmente fornite da Enrico Ciabatti.


Per tutti gli appassionati e nerd di fotografia, quale macchina e attrezzi hai usato per questa serie? Le foto sono realizzate con una reflex digitale full-frame ed uno zoom alla lunghezza focale di 24mm. Trattandosi di fotografia notturna e prediligendo i bassi ISO per una questione di qualità dell’immagine, ho fatto ricorso ad un cavalletto per compensare le lunghe esposizioni (l’otturatore rimaneva aperto fino a 30 secondi). Talvolta, nelle situazioni di buio totale, mi sono servito di piccoli illuminatori led o addirittura della torcia del cellulare, utilizzando la tecnica del light-painting: consiste nel “dipingere” con la luce durante l’esposizione e, a differenza del flash, consente di sfumare maggiormente la luminosità, anche a livello più zonale. Un po’ quello che si faceva in camera oscura schermando e bruciando con l’ingranditore, ma operando, al contrario, in fase di scatto.

Il tuo lavoro è molto variegato, ma sembra che ci sia spesso un’interesse o un riferimento all’architettura, nei ponti di Notturno Fluviale ad esempio, o nei parchi d’acqua abbandonati di Jurassic Waterpark, o nel cosmos immaginario di A Micro Odyssey. L’architettura è sempre stata uno spunto di ispirazione per te? La geometria in generale lo è. Cerco di tradurla nelle prospettive e nella composizione delle immagini. Una buona composizione fotografica sta alla base di una buona immagine, talvolta più del soggetto e senz’altro più della postproduzione. In adolescenza, ho studiato al liceo Guido Castelnuovo e dunque la mia formazione è stata abbastanza scientifica. Ciò si nota specialmente in Notturno Fluviale e in Jurassic Waterpark, in cui permane un interesse sia tecnico che naturale. Lo stesso interesse, con un pizzico di chimica, è quello che si ritrova in A Micro Odyssey e nel trompe-l’oeil dei pianeti batterici.
Altro aspetto scientifico è che il punto comune di tutti i miei lavori risiede nella ricerca del non visto e dello sconosciuto: in ognuno dei tre progetti sopra citati, la rivelazione di una dimensione normalmente occlusa all’occhio umano domina e soprattutto incuriosisce lo spettatore. Più in generale, credo che mostrare questa “realtà nascosta” sia il compito ultimo della fotografia.


Siamo sempre curiosi di sapere come gli artisti iniziano un nuovo progetto. Cominci da una singola immagine e lasci che una serie emerga col tempo, o cerchi di progettare tutta la serie prima di iniziare? Di norma, immagino prima la serie nel suo sviluppo coerente e solo successivamente mi dedico alla sua realizzazione.

Quando si tratta di progetti seriali, tuttavia, un’inquadratura costituisce il tutto e allora ci si deve concentrare sulla varietà e sul numero dei soggetti.

In ogni caso, penso anche non ci sia cosa più bella che fotografare senza una preimpostazione: uno dei migliori scatti che ritengo di aver fatto non appartiene a nessun progetto ed è nato in un momento di pausa durante un lavoro.

Per te quant’è importante la collaborazione con altri creativi o artisti?  Cosa cerchi in un potenziale collaboratore creativo?È fondamentale, nella misura in cui essa è attiva e non passiva. Collaboro con varie associazioni culturali e realtà editoriali: il confronto è sempre positivo, anche se devo dire che esso non sempre riguarda i miei progetti più personali, per il quale sono abbastanza esigente.
In passato, ho avuto collaborazioni individuali con altri fotografi, ma quasi sempre tutto si è risolto nel nulla. Credo dipenda sia da un aspetto del mio carattere che da varie mancanze altrui.
Più spesso, le più belle collaborazioni nascono con chi si interessa della mia fotografia in maniera indiretta.


Ci sono altri progetti o programmi per il futuro che vuoi condividere con il gruppo? Ce ne sono diversi, in realtà, anche se si tratta più di idee in divenire che di progetti veri e propri: una serie sul biliardo all’italiana; una sulla scultura e l’icona del David di Michelangelo; un magazine di fotografia; un premio di fotografia; due lungometraggi; un libro fotografico da lanciare nello spazio.
Non necessariamente in quest’ordine. Forse, però, è ancora presto per parlarne.

Per sapere di più:

Notturno Fluviale [Arno 1966-2016]

02.11.2016 > 07.11.2016
Vernissage 04.11.2016 / h 19:00


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